Forme finale : L'œuvre sculpturale de Carol Crawford

J'ai eu le plaisir de visiter à plusieurs reprises, au fil des ans, l'atelier de la sculptrice Carol Crawford à Surry Hills, un quartier de Sydney. À chaque fois, je suis d'abord frappée par la beauté brute de ses œuvres, puis par la lumière du soleil qui illumine leurs formes translucides. Même par temps couvert, une énergie palpable se dégage de la pièce : chaque sculpture rayonne d'une force tranquille.

La pratique artistique de Carol fait appel à une variété de matériaux naturels tels que l'albâtre, le marbre et la stéatite. Sa méthode, profondément intuitive et essentiellement manuelle, lui permet de révéler progressivement l'histoire intrinsèque et la forme finale de chaque pierre. Récemment, Carol a insufflé cette philosophie artistique à une œuvre réalisée pour notre projet « Marque d'une étape importante » , s'inspirant de notre nouveau symbole de marque. La sculpture qui en résulte est une forme douce et féminine nommée « Daniella », façonnée en albâtre de Scaglione italien. Daniella incarne une courbe en S délicate, inspirée des initiales de notre nom, ainsi que les formes fluides de notre nouveau symbole.

Nous avons rencontré Carol un jeudi matin ensoleillé, dans son atelier, où elle nous a expliqué son processus créatif, les œuvres qu'elle a réalisées pour SARAH & SEBASTIAN et comment, le plus souvent, la sculpture exige un dialogue constant avec la pierre.

Carol, votre travail possède une dimension tactile si agréable. Quand avez-vous réalisé que la pierre, en particulier, deviendrait votre langage artistique ?

J'ai découvert la pierre environ sept ans après avoir commencé la sculpture, vers 2009. J'ai passé mes premières années de formation à l'atelier de Tom Bass AM, créant des œuvres inspirées par des sculpteurs célèbres que j'admirais. Le portrait de Jeannette par Matisse (dont il a réalisé cinq versions différentes, chacune plus abstraite que la précédente) était l'un de mes préférés, tout comme la « Tête de femme » de Picasso. C'est durant ces premières années, sous la tutelle de Tom, que j'ai appris à appréhender la forme et les fondamentaux de la sculpture classique.

Ma passion pour la sculpture sur pierre est née lors d'une visite chez un sculpteur d'albâtre en Italie en 2008, dans le village perché de Volterra. Durant ce voyage, j'ai acheté quelques petits morceaux d'albâtre que j'ai ramenés dans mon bagage à main. J'ai également acquis une lime artisanale unique auprès d'un artisan de Volterra, que j'utilise encore aujourd'hui ; c'est un outil formidable.

'Daniella', hand-carved from alabaster for Mark of a Milestone

Carol Crawford working on a piece in her studio

Parce que la pierre que j'avais achetée était si précieuse, je l'ai traitée avec respect et j'ai voulu révéler la forme intrinsèque de ce bloc brut. J'ai essayé de rester ouvert à toutes les possibilités quant à sa forme finale et de ne pas imposer mon point de vue. L'albâtre est une pierre unique, « vivante », aux qualités presque anthropomorphes : assez tendre pour être sculptée à la main, mais assez dure pour être taillée au marteau et au burin. Je compare ce processus à une conversation, un échange, où l'on écoute, où l'on réagit, où l'on lime encore un peu – une démarche très méditative. Travailler le marbre, c'est comme avoir une discussion franche avec la pierre : il faut savoir où l'on va et ce que l'on veut dire, et aller droit au but, la majeure partie du travail se faisant au marteau et au burin. J'ai travaillé les deux matériaux et je préfère de loin l'albâtre.

« L’albâtre est une pierre unique, “vivante”, dotée de qualités anthropomorphiques. La travailler, c’est comme avoir une conversation, écouter et réagir – et limer encore un peu – un processus très méditatif. »

Pouvez-vous décrire le processus créatif que vous mettez en œuvre lorsque vous commencez une nouvelle œuvre ?

Lorsque je commence une nouvelle œuvre, je dois être attirée par la forme brute de la pierre. L'albâtre se forme en nodules (ou formes ovoïdes) sous l'effet de la pression au fil du temps. Contrairement au marbre, il n'est pas extrait de la montagne en blocs, mais plutôt prélevé à quelques mètres sous terre sous forme de nodules dont la taille peut varier de quelques centimètres à plusieurs mètres de diamètre. Chaque nodule est unique, et je chéris cette singularité ; je laisse la pierre m'inspirer pour révéler sa forme finale. Parfois, j'ai l'impression de n'avoir rien fait pour créer l'œuvre finale ; la pierre agit d'elle-même – je ne suis que le « médium » qui a révélé et libéré cette forme.

Je commence par enlever les parties de la pierre que je ne souhaite pas conserver, en affinant et en simplifiant la forme. C'est une technique que j'ai apprise il y a de nombreuses années de Tom Bass. La forme doit ensuite « avoir du sens », ce qui se fait progressivement à mesure que je lime l'albâtre à la main avec différentes limes et rifloirs. Je possède une grande variété de limes, mais c'est aussi ma technique de rotation de la lime qui crée ces belles formes arrondies. Je m'intéresse aux formes imbriquées et à leurs relations. J'ai essayé d'utiliser des Dremel ou des outils mécanisés (même pour le polissage), mais je trouve que le processus s'emballe et que le résultat final ne me satisfait pas. L'utilisation d'outils mécanisés me donne aussi l'impression d'être déconnecté, dans le sens où la sculpture n'est plus faite à la main, ni une extension de moi-même.

Chaque sculpture que je crée est une extension de moi-même, et cette personnalisation est essentielle à ma démarche artistique. Je n'ai pas d'atelier où des ouvriers s'affairent à produire des sculptures à la chaîne. Toutes mes œuvres sont créées, polies et fixées à la main (le cas échéant) sur un socle. Chaque pièce est importante et fait partie intégrante de mon identité.

Carol Crawford in her light-filled Surry Hills studio

« Chaque sculpture que je crée est une extension de moi-même, et cette personnalisation est très importante dans ma pratique. »

Vous travaillez avec divers matériaux, notamment l'albâtre et le marbre. Comment le choix de la pierre influence-t-il la forme finale de vos sculptures ?

Je suis guidée par la forme brute de la pierre ; cependant, les formes finales sont toujours en accord avec mon esthétique. Plus tôt cette année, j'ai achevé une grande sculpture en stéatite (Karina) qui s'est avérée particulièrement complexe. Bien que la stéatite soit une pierre très différente de l'albâtre ou du marbre, la forme finale de Karina porte indéniablement ma signature. La difficulté de la sculpture résidait dans la présence d'autres minéraux incrustés dans la stéatite, et je pense qu'il s'agissait de fer, car elle présente une couleur orange brûlé. Je ne pouvais pas sculpter la pierre en ronde-bosse comme je le fais habituellement ; j'ai donc dû revoir ma approche et créer une forme finale pyramidale, dont je suis particulièrement ravie.

Si je sculpte une pièce d'albâtre très translucide, la forme doit être bien définie ; sinon, elle se fondra dans la transparence de la pierre. J'ai également mis au point une finition « effet peau » pour l'albâtre translucide, qui permet à la lumière de se réfléchir sur la forme plutôt que d'être absorbée.

Avec l'albâtre de Bardiglio, très noueux et irrégulier (blanc veiné de gris-noir), je travaille en suivant la forme brute de la pierre ; la forme finale est une variation de la pierre d'origine, étroitement liée à sa forme initiale. Ce sont probablement mes pièces les plus complexes.

A work in progress

A finished piece

Pouvez-vous nous parler un peu de l'œuvre que vous avez créée en réponse à notre nouveau symbole et à notre cahier des charges artistique ?

La sculpture que j'ai créée pour Sarah et Sebastian est une forme féminine douce, empreinte d'originalité. J'ai choisi l'albâtre de Scaglione, en Italie, pour sa transparence. À l'état brut, on distinguait des parties translucides et d'autres plus opaques au sein de cette même pierre. Elle présentait également des « marques de naissance » (des veines plus foncées), que j'affectionne particulièrement car elles confèrent à chaque sculpture son caractère unique. Le subtil « S » de la forme finale est à la fois un hommage aux initiales de Sarah et Sebastian (un choix naturel) et une ode à la sensualité de la marque, notamment à travers le travail des métaux précieux et des pierres fines.

« J’ai commencé à nommer mes sculptures d’après des femmes importantes de ma vie parce que je me sens fondamentalement une personne attentionnée. »

De manière générale, comment la nature vous inspire-t-elle dans votre travail ?

J'ai toujours été une rêveuse, attentive aux moindres détails. La nature regorge de beauté, sous toutes ses formes, vivantes comme géologiques, qui m'émerveille et m'inspire sans cesse. Graines, coquillages, volutes de plumes, jeunes pousses… les sources d'inspiration sont innombrables.

Vos sculptures portent souvent les noms de femmes importantes dans votre vie. Comment ces noms et les histoires qui s'y rattachent influencent-ils votre travail ?

J'ai commencé à nommer mes sculptures d'après des femmes importantes de ma vie, car je me sens naturellement bienveillante. Mes parents m'ont aussi inculqué l'importance de la famille. Notre famille était bien différente de celles que j'ai connues en Australie. Je n'ai jamais connu mes grands-parents et n'avais pas de famille élargie, à l'exception du frère de ma mère ; tous ont péri pendant la Shoah. Les amis de mes parents étaient comme des « tantes » et des « oncles », et nous avions ainsi le sentiment d'appartenir à une communauté, une famille, dans ce nouveau pays où mes parents étaient venus s'installer.

A collection of works in the studio

Je savais que j'avais le privilège de créer des œuvres d'art et de disposer d'un magnifique atelier à Surry Hills. Je me sentais redevable envers mes parents et mes ancêtres pour ce don, et c'est pourquoi j'ai nommé deux de mes premières grandes sculptures d'après mes deux grands-mères : Rachel et Esther. Ces sculptures trônent dans mon atelier et en sont l'âme. Cette idée s'est ensuite étendue à toutes les sculptures nées de ce lieu. Leurs noms peuvent être influencés par un événement de ma vie, ou parfois la couleur d'une pierre me rappelle un ami de mes parents ; Bronia, par exemple, est une sculpture en albâtre de calcite brune et porte le nom d'une amie très proche de la famille. Mes sculptures sont une part importante de ma famille ; chaque fois que j'entre dans mon atelier et que je les vois, je ressens une immense joie.

Lorsque vous travaillez sur une œuvre, constatez-vous que votre vision initiale change à mesure que vous vous immergez plus profondément dans le sujet ?

Oui, absolument. La sculpture évolue au fil du temps. Je ne réalise pas de maquettes et je ne prédétermine aucune de mes sculptures ; elles naissent toutes des échanges qui s’ensuivent. Il m’arrive de reprendre une sculpture qui traîne dans mon atelier depuis deux ans, car quelque chose à son sujet m’interpelle.

Our Twisted Pipi Choker, captured in situ

Carol's extensive collection of stone carving and polishing tools

Pourriez-vous parler d'une sculpture en particulier qui a été un défi ou une expérience transformatrice pour vous ?

Je reviens toujours à une sculpture que j'ai créée en 2009, intitulée Genesis I. C'était la dernière sculpture que j'ai réalisée sous la direction de Tom et elle a été une œuvre marquante pour moi. Je l'ai créée en argile, puis coulée en plâtre, et ensuite, compte tenu de son importance, je me suis lancée et l'ai coulée en bronze.

C'est une sculpture marquante car elle est née d'une profonde émotion. Genesis I représente un sentiment : l'amour et le soutien que mes frères et sœurs et moi recevions de notre père (en réalité, de nos deux parents), décédé cette année-là. Les trois parties distinctes de la sculpture se désagrègent lorsqu'elles ne sont pas entrelacées, mais une fois imbriquées, elles forment un tout d'une grande beauté, une conversation harmonieuse et arrondie. Ces trois parties me représentent, ainsi que mes deux frères et sœurs. J'étais très proche de mon père, et cet amour est matérialisé dans cette sculpture. L'amour est source de créations magnifiques.

Comment envisagez-vous l'évolution de votre travail à l'avenir, tant sur le plan technique que sur celui des thèmes que vous explorez ?

La sculpture de l'albâtre est un travail physique, et tant que ma santé me le permettra, je compte continuer à travailler cette pierre magnifique. Je ne me vois pas changer de technique, mais il se peut que j'utilise le modelage classique en argile pour créer des formes à l'avenir si l'albâtre devient trop difficile à travailler.