Interdimensionnel : Entretien avec l'artiste texturé Henryk

En entrant dans la maison de style ibérique d'Henryk, à Killara, dans le nord de Sydney, ce qui m'a immédiatement frappé, c'était la myriade d'œuvres d'art qui ornaient chaque pièce : accrochées aux murs, posées contre les canapés, disposées sur les tables. Il était évident que cette maison débordait d'énergie créative.

Tandis que les douces nuances des peintures d'Amelia Axton, épouse et collègue artiste d'Henryk, laissaient une impression saisissante, les œuvres audacieuses et texturées d'Henryk insufflaient une explosion de couleurs à chaque espace, en attendant leur départ pour de nouvelles demeures ou des galeries d'art. L'une était réalisée dans un bleu Yves Klein éclatant, une autre dans un rose bonbon espiègle, une troisième dans un profond indigo-bordeaux. Même les façades des murs de son jardin étaient des œuvres d'art, minutieusement enduites à la main par Henryk lui-même, avec la même finition gestuelle et tridimensionnelle que ses toiles.

Se laissant porter par ses médiums, Henryk est guidé par son intuition et la pleine conscience de l'instant présent, brouillant les frontières entre peinture et sculpture pour créer des œuvres tactiles d'une énergie vigoureuse et expressive – à l'image des coups de pinceau d'un géant. Touchés par cette approche dynamique de la création, nous avons invité Henryk à concevoir une pièce ondulante pour notre projet « Marque d'une Étape » , inspirée de notre nouveau symbole de marque et réalisée dans notre vert Comosa emblématique.

Nous avons rencontré Henryk chez lui pour discuter de son processus méditatif et de la manière dont la texture et la curiosité sont au cœur de son art si particulier.

« J’adore équilibrer et pousser ce récit 2D aussi loin que possible dans la 5D. »

Salut Henryk, ton travail est reconnu pour son aspect brut et texturé. Qu'est-ce qui t'a initialement poussé à utiliser des matériaux comme le béton et le polymère dans ton art ?

J'aime repousser les limites. La peinture a toujours été chère, et je savais que je voulais en utiliser beaucoup. Je n'aurais jamais imaginé en utiliser autant. Il nous a fallu un peu d'indépendance financière pour y parvenir, après la vente de notre maison, et, comme par hasard, cela a coïncidé avec huit mois de chômage partiel dû à la COVID.

Alors j'ai acheté plein de peintures et de toiles et je suis redevenue une enfant – ce fut un magnifique parcours créatif. Je crois que, inconsciemment, j'y tendais depuis toujours. Je pense que nous avons tous besoin de ressentir quelque chose, moi aussi. C'était une façon de sortir du monde bidimensionnel et d'explorer les troisième, quatrième et cinquième dimensions. J'ai commencé par la peinture acrylique et les gels, et je les utilise encore de la même manière (dans ma série Solid State). Ensuite, j'ai voulu donner plus de profondeur à mon travail, plus de texture, et exprimer une émotion plus brute. C'est à ce moment-là que j'ai commencé à utiliser du béton et des polymères sur panneau (série Ultra Matte), ce qui a nécessité de nombreux essais. Mais cela m'a permis d'obtenir la hauteur et l'intensité que je recherchais dans les œuvres qui m'entouraient.

Comosa Green Ultra Matte 'S-stroke'

The stuccoed exterior of Henryk's home

En quoi le fait d'être un artiste autodidacte influence-t-il votre processus créatif et votre approche de la sculpture ?

C'est curieux, mais je me considère comme un peintre, pas comme un sculpteur. J'aime explorer et repousser les limites de la narration bidimensionnelle jusqu'à la cinquième dimension, dans les limites du possible. Je crois que c'est ma mission : contribuer, à ma modeste échelle, à l'essor de l'art.

J'ai la profonde conviction que, inconsciemment, lorsque les gens interagissent avec mon travail, cela peut susciter un changement et ouvrir de nouvelles perspectives. C'est comme si je pouvais leur montrer comment s'épanouir afin qu'ils puissent eux-mêmes progresser dans leurs projets. C'est une intuition que je porte en moi.

Pour répondre à la question, je pense que la meilleure façon d'apprendre, c'est de pratiquer. Les connaissances nécessaires viendront à vous au moment opportun. Mais la curiosité, comme celle d'un enfant, est essentielle.

Votre art capture l'essence du processus créatif plutôt que de rechercher la perfection. Comment parvenez-vous à concilier spontanéité et maîtrise dans votre travail ?

Je vais tenter de l'expliquer par une analogie : lorsque je conduis vite et que je dois réagir rapidement, je me plonge dans un état de concentration intense, entièrement absorbé par la conduite. Rien ne peut distraire mon attention ; je suis totalement concentré sur l'instant présent. De même, lorsque je crée, j'aime me contraindre à travailler avec des médiums qui exigent une réaction immédiate ; et je me suis entraîné à être totalement connecté à la source de ces interactions. Je crois que ma vocation est de trouver la perfection dans la seconde.

Parfois, l'erreur est la plus belle des œuvres, et parfois, j'ai même l'impression de ne pas décider à chaque instant, car je co-crée avec une force universelle qui me rejoint (si je peins lentement, je laisse des pensées surgir, des choses qui pourraient interrompre le flux créatif). Cependant, si le lendemain, en regardant mon travail, quelque chose cloche ou est déséquilibré, je peux toujours le corriger. J'ai trouvé des méthodes pour y parvenir, mais ce n'est pas un processus fluide, c'est simplement de la « retouche » – j'essaie de ne pas trop en abuser, car cela peut donner l'impression de trahir mon travail.

« J’ai décidé de montrer le “sentiment” que véhicule le symbole et la nature poétique qu’il recèle. »

Pouvez-vous nous parler un peu de l'œuvre que vous avez créée en réponse à notre nouveau symbole et à notre cahier des charges artistique ?

Ce symbole dégage une fluidité naturelle et harmonieuse. J'aurais pu en créer une sorte de réplique dans mon style béton, mais j'ai choisi de privilégier l'émotion qu'il suscite et sa dimension poétique.

Pourriez-vous nous parler du moment où vous avez su que vous vouliez vous consacrer pleinement à l'art ?

Dès mes débuts en peinture, tout s'est déroulé comme un grand oui. Les deux premiers « oui » retentissants ont été ceux de Dannii Minogue et Kellie Hush (ancienne rédactrice en chef de Harper's BAZAAR), qui m'ont commandé des œuvres pour leurs maisons très tôt. Je vois sans cesse de nouvelles opportunités de développement et d'expansion de ma créativité avec des clients du monde entier qui sont profondément touchés par mon travail.

The artfully composed living room of Henryk's home

Henryk in his home studio

« Rompre avec les normes établies permet une exploration plus libre des matériaux, des techniques et des concepts. Cela ouvre la porte à l’innovation, me permettant de repousser les limites et de créer un art plus personnel, dynamique et authentique. »

Vos sculptures ont été qualifiées d'abstractions gestuelles. Quel rôle jouez-vous, selon vous, le mouvement et le geste dans vos créations ?

C'est tout.

Vous avez travaillé avec des clients prestigieux et exposé votre travail à l'international. Comment ces expériences influencent-elles votre art ?

Ils m'ouvrent sans cesse à de nouvelles opportunités. Je leur en suis très reconnaissant.

Quels défis et quelles opportunités avez-vous rencontrés en ne vous conformant pas aux conventions artistiques traditionnelles ?

Je crois que tout est à gagner et rien à perdre. En m'affranchissant des conventions artistiques traditionnelles, je ne vois que des opportunités et un potentiel de croissance illimité. Rompre avec les normes établies permet une exploration plus libre des matériaux, des techniques et des concepts. Cela ouvre la voie à l'innovation, me permettant de repousser les limites et de créer un art plus personnel, dynamique et authentique.

A textural detail of a work in progress piece

Comment faites-vous pour que chaque œuvre que vous créez conserve cette énergie spontanée qui caractérise votre travail ?

Je reste toujours en contact avec la source avant de prendre un pinceau. C'est l'essentiel.

Qu'est-ce qui vous passionne dans l'art en ce moment et comment voyez-vous votre pratique évoluer à l'avenir ?

J'ai découvert une nouvelle façon d'utiliser la peinture à l'huile. (Nouvelle pour le monde entier ? Probablement pas, je n'en suis pas sûre, mais nouvelle pour moi !) Et elle sèche vite ! J'ai trouvé ma peinture à l'huile. C'est formidable ! Du coup, toutes ces couleurs acryliques que j'avais préparées et que je voulais absolument utiliser, mais qui n'ont pas donné de résultats satisfaisants, je peux maintenant réessayer avec de la peinture à l'huile. C'est mon objectif du moment : tester la résistance de la peinture à l'huile.